키네틱 아트

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1. 개요
2. 역사
3. 주요 키네틱 아티스트
참조

1. 개요

키네틱 아트는 움직임을 주요 요소로 사용하는 예술 형식이다. 19세기 인상주의 미술가들은 움직임을 표현하기 위한 시도를 했으며, 20세기 초현실주의를 거쳐 키네틱 아트가 발전했다. 알렉산더 칼더의 모빌 조각과 같은 작품들은 키네틱 아트의 대표적인 예시이며, 옵아트와 같은 시각적 착시를 활용한 예술도 키네틱 아트의 범주에 포함된다. 현대에는 인터랙티브 조각 등 다양한 형태로 발전하고 있으며, 한국을 포함한 세계 각지에서 키네틱 아트 작품을 찾아볼 수 있다.

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키네틱 아트
정의 및 특징
유형	움직임이 있는 예술 작품
특징	실질적인 움직임을 포함하거나 관람자의 시각에 움직임이 나타나는 작품을 포함
역사 및 발전
기원	20세기 초
주요 영향	미래주의, 다다이즘
발전	1950년대 이후 다양한 형태로 발전
주요 작가
주요 인물	알렉산더 칼더 장 팅겔리 빅토르 바자렐리 니콜라스 쇠퍼 야코프 아감 헤수스 라파엘 소토 율리안 스탠치크 프랑크 포퍼 릴리안 린
예술적 의미
강조점	시간과 공간 속에서의 움직임
특징	빛, 색, 형태의 변화를 통해 시각적 경험을 확장 관람자와 작품 간의 상호작용을 유도
참고 자료
관련 서적	프랑크 포퍼, "키네틱 아트의 기원과 발전" (1968) 기 브렛, "키네틱 아트" (1968)
추가 정보
관련 개념	옵 아트 움직이는 조각

2. 역사

키네틱 아트의 역사는 예술가들이 "인물과 풍경을 페이지에서 떼어내고 예술이 경직된 것이 아님을 명백히 증명"하려는^[4] (알렉산더 칼더) 노력에서 시작되었다고 볼 수 있다. 19세기 인상주의 화가들인 에두아르 마네, 에드가 드가, 클로드 모네는 각자의 방식으로 작품에 움직임을 담아내고자 했으며, 이는 예술이 정적인 상태를 벗어나려는 중요한 시도였다. 동시대의 조각가 오귀스트 로댕 역시 초기에는 이러한 경향을 지지했으나, 이후에는 회화나 조각이 실제 삶의 생동감 있는 움직임을 완벽하게 포착하는 데에는 한계가 있다고 보았다. 이러한 초기 논의와 시도들은 20세기 키네틱 아트가 본격적으로 발전하는 토대가 되었다.

2. 1. 인상주의와 움직임의 표현

예술가들은 "인물과 풍경을 페이지에서 떼어내고 예술이 경직된 것이 아님을 명백히 증명"하고자 노력했다(칼더, 1954).^[4] 이러한 시도는 예술의 혁신과 구성 방식의 변화를 가져왔다. 인상주의 운동 속에서 이러한 변화를 이끈 19세기 예술가로는 에두아르 마네, 에드가 드가, 클로드 모네가 있다. 이들은 각자 독특한 방식으로 작품에 움직임을 담아내려 했으며, 이는 사실적인 표현을 추구하는 과정에서 나타났다. 같은 시기 오귀스트 로댕 역시 초기에는 이러한 예술적 움직임을 지지했으나, 나중에는 마네, 드가, 모네의 시도가 순간을 포착하여 생동감을 부여하는 데 한계가 있다고 비판하며 입장을 바꾸었다.

마네의 작품은 특정 양식으로 규정하기 어렵지만, 그의 작품 ''스페인 발레'' (1862)는 새로운 시도의 경계에 있는 작품으로 평가받는다.^[1] 인물들의 윤곽선과 제스처는 서로 및 배경과의 관계 속에서 깊이감을 암시한다. 마네는 이 작품에서 의도적으로 평형 상태를 깨뜨려, 관객이 마치 찰나의 순간을 목격하는 듯한 느낌을 주고자 했다. 흐릿하고 희미한 색상과 그림자 역시 이러한 순간성을 강조한다.

1863년, 마네는 ''풀밭 위의 점심 식사''를 통해 평면 캔버스에서의 움직임 연구를 더욱 확장했다. 빛, 색, 구도는 이전과 유사하지만 배경 인물의 배치는 새롭다. 배경에서 몸을 굽힌 여인은 전경 인물들과 비교했을 때 원근법에 따른 크기 축소가 완전히 적용되지 않았다. 이러한 공간감의 왜곡은 마네가 ''스페인 발레''에서 전경의 대상을 흐릿하게 처리한 것과 유사하게, 마치 스냅 사진처럼 순간적인 움직임을 포착하려는 시도이다.

''경마'', 1877–1880, 캔버스에 유채, 에드가 드가, 오르세 미술관, 파리

드가는 마네의 지적인 계승자로 여겨지지만, 인상주의 화단 내에서는 더 급진적인 인물로 평가받았다. 드가는 발레 무용수나 경마 장면과 같이 인상주의 시대의 전형적인 주제를 다루면서도, 움직이는 예술을 창조하려는 목표를 분명히 했다.^[7] 그의 1860년 작품 ''젊은 스파르타인들이 격투를 연습하다''는 고전적인 인상주의 누드 기법을 활용하면서도, 인물들을 평평한 풍경 속에 배치하고 극적인 몸짓을 부여하여 "움직이는 젊음"이라는 새로운 주제를 탐구했다.^[8]

그의 혁신적인 작품 중 하나인 ''오페라의 오케스트라''(1868)는 움직임을 명확하게 해석하고 캔버스 평면을 넘어 다차원적인 움직임을 표현한다. 오케스트라는 관객의 공간 바로 앞에 배치되고 무용수들은 배경을 가득 채운다. 드가는 움직임을 결합하는 인상주의 양식을 따르면서도, 19세기 후반에는 보기 드문 방식으로 이를 재해석했다. 1870년대에는 ''경주 마차''(1872)와 같은 작품을 통해 순간적인 움직임을 포착하는 경마 장면에 대한 애정을 이어갔다.

그의 역동적인 예술 창조 시도는 1884년작 ''경주마''에서 절정에 달했다. 이 작품은 인물들이 풍경 속에 잘 통합된 경마 및 폴로 경기 연작의 일부이다. 말과 기수들은 격렬한 움직임의 순간에 포착된 듯 묘사되기도 하고, 다른 장면에서는 태연하게 걷는 모습으로 그려지기도 한다. 인상주의 화단과 예술계 전반은 이 연작에 깊은 인상을 받았으나, 드가가 이 작품들을 실제 사진을 바탕으로 그렸다는 사실에 충격을 받기도 했다. 드가는 사진 활용에 대한 비판에 개의치 않았으며, 이는 클로드 모네가 유사한 기법을 사용하는 데 영향을 주기도 했다.

모네의 스타일은 드가와 한 가지 면에서 유사했는데, 두 사람 모두 예술적 해석을 직접적인 "망막 인상"^[1]에 기반하여 작품에 변화와 움직임의 느낌을 부여했다는 점이다. 그들의 그림의 기초가 되는 대상이나 이미지는 객관적인 세계관에서 비롯되었다. 많은 미술사학자들은 이것이 당시 사진 기술 발전에 따른 잠재의식적 영향이라고 본다. 1860년대 모네의 작품들은 드가와 마네의 작품에서 보이는 움직임의 여러 특징들을 공유했다.

1875년에 이르러 모네의 붓 터치는 새로운 연작, 특히 ''르 바토-아틀리에 쉬르 라 센느''에서 매우 빨라졌다. 풍경은 캔버스 전체를 거의 뒤덮고, 빠르고 부정확해 보이는 붓 터치는 풍부한 움직임을 만들어내며 인물들을 그 움직임의 일부로 통합시킨다. 이 그림과 ''생 라자르 역''(1877–1878) 연작은 많은 미술사학자들에게 모네가 인상주의 양식을 재정의하고 있음을 보여주는 증거로 여겨진다. 인상주의는 초기에 색, 빛, 움직임을 분리하여 표현하는 것으로 정의되었으나,^[7] 1870년대 후반 모네는 이 세 요소를 모두 결합하는 스타일을 개척하며 인상주의 시대의 대중적인 주제에 집중했다. 예술가들은 종종 모네의 섬세한 붓 터치에 감탄하며 그의 그림에서 단순한 움직임을 넘어 "눈에 띄는 진동"을 느낀다고 평가했다.^[9]

오귀스트 로댕은 처음에는 모네의 '진동하는 작품'과 드가의 독특한 공간 해석 능력에 깊은 인상을 받았다. 예술가이자 미술 평론가로서 로댕은 이러한 스타일을 지지하는 글을 여러 편 발표했다. 그는 모네와 드가의 작품이 "훌륭한 모델링과 움직임을 통해 예술이 삶을 포착한다"는 환상을 만들어낸다고 주장했다.^[9] 그러나 1881년, 로댕 자신이 조각을 시작하면서 이전의 생각을 바꾸게 되었다. 조각이라는 매체는 그에게 해결하기 어려운 문제를 안겨주었다. 어떻게 조각처럼 견고한 재료로 만들어진 작품에 움직임과 극적인 동작을 부여할 수 있을까? 이러한 고민 끝에 그는 인상주의가 움직임을 전달하는 것이 아니라 정적인 형태로 제시한다는 자신의 새로운 이론을 담은 글을 발표했다. 이는 의도적으로 마네, 모네, 드가를 비판하려는 것은 아니었지만, 결과적으로 그들의 시도에 대한 비판적인 입장을 드러내는 것이었다.

2. 2. 20세기 초현실주의와 초기 키네틱 아트

20세기 초현실주의 양식은 키네틱 아트 스타일로 쉽게 전환될 수 있는 길을 열었다. 이 시기 예술가들은 이전에는 사회적으로 용납되지 않았던 주제들을 탐구하기 시작했다. 단순히 풍경이나 역사적 사건을 묘사하는 것을 넘어, 평범하거나 극단적인 주제를 탐구하며 새로운 스타일을 해석하려는 경향이 나타났다.^[10] 알베르 글레즈와 같은 이론가들의 지지 속에서 잭슨 폴록이나 막스 빌 같은 전위 예술가들은 키네틱 아트의 특징이 될 독특한 표현 방식을 탐구하며 새로운 영감을 얻었다.

알베르 글레즈는 19세기 말과 20세기 초 유럽, 특히 프랑스에서 중요한 예술 이론가였다. 1912년부터 발표한 그의 입체주의 이론과 논문들은 당시 예술계에서 큰 영향력을 가졌다. 이러한 명성을 바탕으로 그는 1910년대와 1920년대에 조형 예술이나 리듬 운동과 같은 새로운 예술 경향을 지지하며 큰 영향력을 행사했다. 글레즈는 운동에 관한 이론을 발표하며, 움직임을 고려할 때 발생하는 심리적, 예술적 효과에 대한 자신의 이론을 명확히 설명했다. 그는 여러 저술을 통해 인간의 창조 활동은 외부 세계의 감각적인 모습을 그대로 재현하는 것에서 벗어나야 한다고 반복해서 주장했다.^[1] 그에게 이것은 로댕을 포함한 많은 예술가들이 추구했던, 정지된 상태에서도 움직임을 느끼게 하는 예술의 핵심이었다.

글레즈는 예술에서 '리듬'의 필요성을 처음으로 강조했다. 그에게 리듬이란 2차원 또는 3차원 공간에서 형태들이 시각적으로 조화롭게 배치되는 것을 의미했다. 형태들은 수학적이거나 체계적으로 배열되어 서로 상호작용하는 것처럼 보여야 하며, 동시에 너무 명확한 특징을 가지기보다는 다소 불분명한 형태와 구성을 가져야 한다고 주장했다. 이를 통해 관람자는 형태 자체가 제한된 공간 안에서 움직이고 있다고 느낄 수 있다고 보았다. 그는 회화, 조각, 심지어 19세기 중반 예술가들의 평면 작품조차도 형태가 특정 공간 안에 담긴 잠재적인 움직임을 관람자에게 전달할 수 있음을 보여주려 했다. 철학자로서 글레즈는 예술적 운동의 개념과 그것이 관람자에게 어떻게 영향을 미치는지 연구했으며, 키네틱 아트가 부상하던 1930년대까지 자신의 연구와 저술 활동을 이어 나갔다.

잭슨 폴록이 그의 대표작들을 창작하던 시기, 미국은 이미 키네틱 아트와 대중 미술 운동에서 중요한 위치를 차지했다. 그가 사용한 새로운 스타일과 기법, 특히 액션 페인팅으로 알려진 방식은 그를 1950년대 키네틱 화가의 주요 인물로 부상시켰으며, 그의 작품은 1950년대 미술 평론가 해럴드 로젠버그가 명명한 액션 페인팅과 밀접하게 연관되었다. 폴록은 자신의 그림 모든 부분에 생명력을 불어넣고자 하는 강한 열망을 가졌다. 그는 "나는 모든 그림 안에 있다"고 말하며^[8] 작품과 자신을 동일시했다. 그는 막대기, 주걱, 칼 등 전통적인 회화 도구가 아닌 것들을 사용하여 작업했으며, 자신이 창조한 형태들을 ''"아름답고 예측 불가능한 물체"''로 여겼다.^[8]

이러한 스타일은 그의 유명한 '드립 기법(drip technique)'으로 발전했다. 폴록은 페인트 통과 붓을 들고 캔버스 위에 물감을 뿌리거나 흘리면서 구불구불한 선과 불규칙한 붓 자국으로 화면을 채웠다. 이후 그는 알루미늄 페인트와 같은 흔치 않은 재료를 실험했다. 그는 1947년에 알루미늄 페인트로 첫 작품인 ''대성당 (Cathedral)''을 그렸고, 거기에서 그는 재료 자체의 통일성을 파괴하기 위해 첫 번째 "스플래시(splash)"를 시도했다. 그는 예술의 재료와 구조를 강제적인 제약으로부터 해방시키고 있으며, 그것이 항상 존재했던 움직이는 또는 키네틱 아트에 도달하는 방법이라고 확신했다.

막스 빌은 1930년대에 거의 완전한 키네틱 아트의 추종자가 되었다. 그는 키네틱 아트는 순수한 수학적 관점에서 실행되어야 한다고 믿었다. 그에게 수학적 원리와 이해를 사용하는 것은 객관적인 움직임을 창조할 수 있는 몇 안 되는 방법 중 하나로 여겨졌다. 이 이론은 그가 만든 모든 작품과 그가 작품을 만드는 방식에 적용되었다. 청동, 대리석, 구리, 황동은 그가 조각 작품에 사용한 네 가지 재료였다. 그는 또한 관람객이 그의 조각 작품에 처음 다가갈 때 관람객의 눈을 속이는 것을 즐겼다. 그의 작품인 ''매달린 정육면체 구조 (Construction with Suspended Cube, 1935–1936)''에서 그는 일반적으로 완벽한 대칭을 가진 것처럼 보이는 모빌 조각을 만들었지만, 관람객이 다른 각도에서 보면 비대칭적인 측면이 나타나도록 설계했다.

2. 3. 모빌과 조각

막스 빌은 1930년대에 키네틱 아트의 중요한 인물로 부상했다. 그는 키네틱 아트가 순수한 수학적 관점에서 실행되어야 한다고 믿었으며, 수학적 원리를 통해 객관적인 움직임을 창조하고자 했다. 빌은 주로 청동, 대리석, 구리, 황동을 사용하여 조각 작품을 만들었으며, 관람객의 시각적 인식을 활용하는 작품을 즐겨 제작했다. 그의 작품 ''매달린 정육면체 구조''(1935–1936)는 특정 각도에서는 완벽한 대칭을 이루는 것처럼 보이지만, 다른 각도에서는 비대칭적인 면모를 드러내는 모빌 조각이다.

막스 빌의 조각품은 키네틱 아트가 탐구한 움직임 스타일의 시작을 보여준다. 블라디미르 타틀린, 알렉산드르 로드첸코, 알렉산더 칼더 등은 20세기 초 정적인 조각에 움직임을 부여하려는 시도를 했다. 이 세 명의 예술가는 예측 불가능한 움직임을 시험하는 것으로 시작하여 기술적 향상을 통해 인물의 움직임을 제어하려 했다. "모빌(mobile)"이라는 용어는 중력 및 기타 대기 조건이 예술가의 작품에 영향을 미치는 방식을 수정할 수 있는 능력에서 유래되었다.^[7]

키네틱 아트의 모빌 스타일 사이에는 거의 구분이 없지만, 한 가지 구별은 가능하다. 관람객이 움직임을 제어할 때 모빌은 더 이상 모빌로 간주되지 않는다. 이것이 가상 움직임의 특징 중 하나이다. 작품이 자연스럽지 않은 특정 상황에서만 움직이거나 관람객이 움직임을 조금이라도 제어할 때, 그 형상은 가상 움직임 아래에서 작동한다.

키네틱 아트의 원리는 모자이크 예술에도 영향을 미쳤다. 예를 들어, 키네틱의 영향을 받은 모자이크 작품은 종종 밝고 어두운 타일 사이에 명확한 구분을 사용하고, 3차원적인 형태를 사용하여 명백한 그림자와 움직임을 만들어낸다.^[11]

러시아의 예술가이자 러시아 구성주의 운동의 창립 멤버인 블라디미르 타틀린은 많은 예술가와 미술사학자들에게 최초로 모빌 조각을 완성한 인물로 여겨진다. 모빌이라는 용어는 로드첸코 시대에 처음 만들어졌지만 타틀린의 작품에 매우 적합하다. 그의 모빌은 벽이나 받침대만 있으면 되는 일련의 매달린 부조로, 영원히 매달려 있게 된다. 이 초기 모빌인 ''Contre-Reliefs Libérés Dans L'espace'' (1915)는 미완성 작품으로 평가받는다. 이는 평면의 수학적 연동에 의존하여 공중에 자유롭게 매달린 작품을 창조하는 리듬을 보여준다.

타틀린의 탑 또는 '제3 인터내셔널 기념비' (1919–20) 프로젝트는 결코 건설되지 않은 기념비적인 키네틱 건축 건물을 위한 디자인이었다.^[12] 이 건물은 1917년 볼셰비키 혁명 이후 페트로그라드(현재 상트페테르부르크)에 세워져 코민테른 (제3 인터내셔널)의 본부이자 기념비가 될 예정이었다.

타틀린은 자신의 예술이 명확한 시작이나 끝이 필요한 객체나 제품이라고 전혀 생각하지 않았다. 그는 무엇보다 자신의 작품이 진화하는 과정이라고 생각했다. 그와 친분을 맺은 많은 예술가들은 1936년에 모빌이 진정으로 완성되었다고 생각했지만, 그는 이에 강력하게 반대했다.

러시아의 예술가 알렉산드르 로드첸코는 타틀린의 친구이자 동료로서 자신의 작품이 완성되었다고 주장하며, 매달리는 모빌 연구를 지속했고 그가 "비대상주의"라고 여긴 것을 창조했다.^[1] 이 스타일은 모빌보다는 캔버스 회화와 움직일 수 없는 물체에 덜 집중한 연구였다. 그것은 서로 다른 재료와 질감의 물체를 병치하여 보는 이의 마음에 새로운 아이디어를 불러일으키는 데 초점을 맞추었다. 작품과의 불연속성을 창조함으로써, 관람자는 형상이 캔버스에서 벗어나거나 제한된 매체에서 벗어나는 것으로 여겼다. 그의 캔버스 작품 중 하나인 ''무용, 무대상 구성''(1915)은 서로 다른 질감과 재료의 물체와 형태를 함께 배치하여 관람자의 시선을 사로잡는 이미지를 만들려는 열망을 구현하고 있다.

그러나 1920년대와 1930년대에 이르러 로드첸코는 자신의 비대상주의 이론을 모빌 연구에 통합하는 방법을 찾았다. 그의 1920년 작품 ''매달린 구조''는 끈으로 천장에 매달려 자연스럽게 회전하는 나무 모빌이다. 이 모빌 조각은 여러 평면에 존재하는 동심원을 가지고 있지만, 전체 조각은 수평 및 수직으로만 회전한다.

알렉산더 칼더, 《레드 모빌》, 1956년, 페인트 칠한 판금 및 금속 막대, 대표작 – 몬트리올 미술관

알렉산더 칼더는 키네틱 아트에서 모빌의 스타일을 확고하고 정확하게 정의했다고 많은 사람들이 믿는 예술가이다. 수년간 그의 작품을 연구하면서 많은 평론가들은 칼더가 다양한 영향을 받았다고 주장한다. 일부는 중국 풍경이 그의 초기 모빌의 모양과 높이와 매우 유사한 물체였다고 주장한다. 다른 미술사학자들은 만 레이의 1920년대 모빌, 특히 《그늘》(1920)이 칼더의 예술 발전에 직접적인 영향을 미쳤다고 주장한다.

칼더는 처음 이러한 주장을 들었을 때 즉시 비평가들을 꾸짖었다. "나는 나 자신 외에는 그 어떤 것의 산물이 된 적이 없고, 앞으로도 그럴 것이다. 내 예술은 내 것이지, 진실이 아닌 내 예술에 대해 굳이 말할 필요가 있겠는가?"^[8] 칼더의 첫 번째 모빌 중 하나인 《모빌》(1938)은 많은 미술사학자들에게 만 레이가 칼더의 스타일에 분명한 영향을 미쳤다는 것을 "입증"하는 작품이었다. 《그늘》과 《모빌》 모두 벽이나 구조물에 연결된 하나의 끈이 있어 공중에 떠 있게 한다. 두 작품 모두 공기가 통과할 때 진동하는 주름진 특징을 가지고 있다.

명백한 유사성에도 불구하고, 칼더의 모빌 스타일은 현재 키네틱 아트의 표준으로 여겨지는 두 가지 유형을 만들었다. 지지대 모빌과 현수 모빌이 있다. 지지대 모빌은 다양한 모양과 크기로 제공되며 어떤 방식으로든 움직일 수 있다. 현수 모빌은 처음에는 색깔 있는 유리와 긴 실에 매달린 작은 나무 물체로 만들어졌다. 지지대 모빌은 원래 정적인 조각이었던 칼더의 새로운 모빌 스타일의 일부였다.

칼더의 초기 지지대 모빌은 모양과 자세가 유사하다는 점을 근거로 키네틱 아트 또는 움직이는 예술과는 거의 관련이 없다고 주장할 수 있다. 1960년대까지 대부분의 미술 평론가들은 칼더가 《고양이 모빌》(1966)과 같은 작품에서 지지대 모빌의 스타일을 완성했다고 믿었다.^[13] 이 작품에서 칼더는 고양이의 머리와 꼬리가 임의로 움직이도록 허용하지만 몸체는 고정되어 있다. 칼더는 현수 모빌의 유행을 시작하지 않았지만, 모빌 제작에 있어 명백한 독창성으로 인정받은 예술가였다.

그의 초기 현수 모빌 중 하나인 《맥커슬랜드 모빌》(1933)^[14]은 두 물체의 모양 때문에 다른 많은 동시대 모빌과 다르다. 로드첸코와 타틀린과 같은 대부분의 모빌 예술가들은 그러한 모양이 유연하거나 심지어 공기역학적이지도 않다고 생각했기 때문에 그런 모양을 사용할 생각을 하지 못했을 것이다.

칼더는 작품을 만들 때 사용한 대부분의 방법을 밝히지 않았지만, 그것들을 만들기 위해 수학적 관계를 사용했다고 인정했다. 그는 무게와 거리의 정비례 관계를 사용하여 균형 잡힌 모빌을 만들었다고만 말했다. 칼더의 공식은 그가 만드는 모든 새로운 모빌마다 바뀌었기 때문에 다른 예술가들은 작품을 정확하게 모방할 수 없었다.

2. 4. 가상 움직임, 옵 아트

1940년대 빅토르 바자렐리와 같은 예술가들은 작품에서 가상 움직임의 특징을 처음으로 선보였으나, 당시 키네틱 아트는 비판에 직면하기도 했다. 바자렐리는 1940년대에 관람객의 참여를 유도하는 인터랙티브한 작품을 다수 제작했다. 예를 들어, 그의 작품 ''고르데/크리스탈''(1946)은 전기적으로 작동하는 입방체 형상들로 구성되어 있으며, 관람객이 직접 스위치를 눌러 색과 빛의 변화를 경험하도록 유도했다. 이러한 가상 움직임은 모빌과 연관될 수 있는 키네틱 아트의 한 스타일이지만, 이를 바탕으로 더 구체적인 구분이 이루어졌다.

1950년대에 발전한 가현 운동은 관람객과 독립적으로 움직이는 모든 종류의 키네틱 아트를 지칭하는 용어로 사용되었다. 미술사학자들은 잭슨 폴록의 드립 기법부터 블라디미르 타틀린의 초기 모빌까지 다양한 작품을 이 범주에 포함시켰다. 이후 1960년대에는 옵아트(Op Art)라는 용어가 등장했는데, 이는 캔버스나 고정된 상태에서 나타나는 시각 착시 효과나 시각적으로 자극적인 예술을 가리킨다. 옵아트는 때때로 고정된 모빌을 포함하는 키네틱 아트의 특정 측면과 개념적으로 충돌하기도 한다.^[15]^[16]

1955년, 파리의 데니스 르네 갤러리에서 열린 ''Mouvements'' 전시에서 빅토르 바자렐리와 폰투스 훌텐은 "노란색 선언문"을 통해 광학적, 발광 현상과 회화적 환영주의에 기반한 새로운 키네틱 표현을 제시하며 현대적 의미의 키네틱 아트를 알렸다. "키네틱 아트"라는 용어 자체는 1960년 취리히의 디자인 박물관에서 처음 공식적으로 사용되었으며, 1960년대에 이르러 주요한 발전을 이루었다. 유럽에서는 주로 브리짓 라일리가 대표하는 옵아트와 같이 시각 착시를 활용하는 광학 예술 형태와, 야코프 아감, 카를로스 크루스-디에스, 헤수스 라파엘 소토, 그레고리오 바르다네가, 마르타 보토, 니콜라스 쇠퍼 등이 대표하는 실제 움직임 기반의 예술로 나뉘어 발전했다.

1961년부터 1968년까지 활동한 시각 예술 연구 그룹(GRAV, ''Groupe de Recherche d’Art Visuel'')은 옵토-키네틱 예술가들의 중요한 집단이었다. 프랑수아 모렐레, 훌리오 르 파르크, 프란시스코 소브리노, 오라시오 가르시아 로시, 이바랄, 조엘 스타인, 베라 몰나르 등이 참여한 이 그룹은 1963년 발표한 선언문을 통해, 특히 상호 작용하는 미로와 같은 설치 작품을 이용하여 관람객의 직접적인 참여와 행동 변화를 유도하고자 했다.

2. 5. 현대 키네틱 아트

2013년 11월, MIT 박물관은 '5000개의 움직이는 부품'이라는 제목의 키네틱 아트 전시회를 열었다. 이 전시회에서는 아서 갠슨, 앤 릴리, 라파엘 로자노-헤머, 존 더글러스 파워스, 타키스 등의 작품을 선보였다. 이 전시를 계기로 MIT 박물관은 해당 예술 형식과 관련된 특별 프로그램을 진행하는 "키네틱 아트의 해"를 시작했다.^[17]

신-키네틱 아트는 중국에서 인기를 얻고 있으며, 우후 국제 조각 공원이나 베이징을 포함한 여러 공공장소에서 상호작용적인 키네틱 조각 작품들을 찾아볼 수 있다.^[18]

싱가포르 창이 공항 역시 국제적인 예술가 그룹 ART+COM과 크리스티안 뫼러의 대규모 키네틱 설치 작품을 포함하여 엄선된 예술 작품 컬렉션을 보유하고 있다.

3. 주요 키네틱 아티스트

야코브 아감
울리 아센본
데이비드 아스칼론
플레처 벤튼
마크 비쇼프
다니엘 뷔렌
알렉산더 칼더
그레고리오 바르다네가
마르타 보토
최우람
안젤라 코너
카를로스 크루스-디에스
마르셀 뒤샹
린 에머리
롤랜드 에메트
이바나 프랭크
아서 간슨
네모 굴드
게르하르트 폰 그라베니츠
브루스 그레이
랄폰소 Gschwend
라파엘 로자노-헤머
척 호버만
앤서니 호우
이르마 휘너포트
팀 헝킨
테오 얀센
네드 칸
로저 카탄
스타 캠프프
프레데릭 키슬러
비아체슬라프 콜레이추크
줄라 코시체
질 라랭
훌리오 르 파르크
릴리안 린
렌 라이
살 마카로네
하인츠 맥
필리스 마크
라슬로 모호이너지
알레한드로 오테로
로버트 펄레스
오토 피에네
조지 리키
켄 리날도
바튼 루벤스타인
니콜라스 셰퍼
에우세비오 셈페레
헤수스 라파엘 소토
마크 디 수베로
타키스
장 팅겔리
웬잉 차이
마크 반 덴 브루크
빌렘 반 베헬
라이먼 휘태커
루드비히 빌딩
나디르 아폰소
게툴리오 알비아니
마리나 아폴로니오
로널드 말로리
유리 메센-야신
베라 몰나르
아브라함 팔라트니크
브리짓 라일리
그라치아 바리스코
빅토르 바자렐리
장 피에르 이바랄
로마노 리자토

참조

_[1] 서적 Origins and Development of Kinetic Art New York Graphic Society
_[2] 간행물 Accepting the Machine: A Response by Liliane Lijn to Three Questions from Arts 2018-06-11
_[3] 간행물 Oxford Art Online Oxford University Press
_[4] 간행물 Oxford Art Online Oxford University Press 2010-02-24
_[5] 서적 Kinetics
_[6] 서적 Kinetic art Studio-Vista
_[7] 서적 The Nature and Art of Motion G. Braziller
_[8] 서적 Kinetic Art: Theory and Practice https://archive.org/[...]
_[9] 서적 Plastics for Kinetic Art Watson-Guptill Publications
_[10] 서적 Modern Plastic Art, Elements of Reality, Volume and Disintegration H. Girsberger
_[11] 웹사이트 Kinetic Mosaics: The Art of Movement http://blog.mozaico.[...] 2016-06
_[12] 서적 History of Art Thames & Hudson
_[13] 서적 Calder https://archive.org/[...]
_[14] 서적 Alexander Calder Cambridge University Press
_[15] 웹사이트 Op art https://www.britanni[...]
_[16] 웹사이트 Art cinétique http://mediation.cen[...]
_[17] 웹사이트 5000 Moving Parts http://web.mit.edu/m[...] 2013-11-29
_[18] 간행물 The Development of Public Art and its Future Passive, Active and Interactive Past, Present and Future 2015-07-22
_[19] 간행물 Accepting the Machine: A Response by Liliane Lijn to Three Questions from Arts 2018-06-11
_[20] 문서 1898-1976。彫刻家、現代アート作家